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——瓦斯克斯
寒冷令拉脱维亚人崇拜火与温暖，光是苦寒世界的一剂良药。
在瓦斯克斯众多充满“光”
的创作中，唯有一首是“无光”
的，——美国首个巡演节目单上的《音乐悲歌》（MusicaDolorosa）。
作品创作于1983年，作曲家以此纪念年过四十、死于癌症的姐姐玛塔，此曲被公认为作曲家最私人化的创作，亦是最具代表性的重要作品。
瓦斯克斯称这是毫无希望可言的音乐、绝对的悲伤。
Dolorosa，原有朝圣、受苦难之意，他将声音勾勒成对人生最后旅程的戏仿：临近死神时生命的步态。
作品在美国的首个亮相暗合1989年独立运动爆发以来拉脱维亚的生存现状，“一声痛苦的呐喊”
！
音乐会后，美国洛杉矶主流媒体对其大加赞赏，称《音乐悲歌》以最萧瑟的旋律令音乐会现场达到沸腾的**，作品的悲剧性形象地反映了拉脱维亚国内政治气氛的痛苦挣扎。
《音乐悲歌》最大程度地体现了属于瓦斯克斯的两个标志性关键词：绝妙的弦乐音色与极简的线条结构。
音乐从祈祷中开始，令人想起塞缪尔·巴伯《弦乐柔板》的怀旧温暖，随后行军般的弹奏、弓弦技法上的跳跃又酷似巴托克。
不过很快，人们就可以感受到《音乐悲歌》与众不同的“血统”
：一幅禁欲忧伤的形象，低音大提琴却发出亢奋的节奏。
不坚定的、不确定的恐惧如影随形，它们细微得几乎听不出来。
“悲歌”
有数条交织的主题旋律线，瓦斯克斯称在创作中“音乐如谷物般自己生长”
，他只不过是依照直觉把它们一块块搭建起来。
作曲家善于将现实中的声响转变为贴切的音乐形象，用戏剧化的方式描述拉脱维亚的挣扎。
在《音乐悲歌》中，快而猛的拉奏用来代表过于“亢奋”
的心跳。
节奏渐渐变得急促、不和谐、刺耳，突然停止了跳动，弦乐在高处发出哀号的声响。
当忧伤即将取代恐惧登场时，代表心跳的低音大提琴重又开始喘息，这一回它们盖过了祈祷的情绪成为生命挣扎的主题，死神在弦乐的狂乱尖叫声中获胜，同度的和弦仿佛心电图上永恒的直线。
作品的确悲伤，却谈不上消极，死神成为音乐的**却不是音乐的完结：大提琴的独白是人生总结，弦乐奏出挽歌。
瓦斯克斯总是把重要的独白戏份放置在大提琴身上，他说大提琴最接近人说话的声音，非神性、非俗物，充满人性因而动人。
这是个不好不坏的结果：死是新生的希望，恰如拉脱维亚街头令人恐怖的流血事件。
瓦斯克斯用这首私人的悲伤躲过了80年代氛围紧张的苏维埃文化审查。
有趣的是，正是这最私人化的“失去”
扩散为所有拉脱维亚人的“失去”
，成为拉脱维亚民族共有的悲伤。
一场全民的朝圣路，或许可以成为全世界都能听得懂的情绪。
《音乐悲歌》的美国首演被证明是巨大的“民族”
成功，一道无与伦比的闪电替代了光，预示即将降临的自由时代！
出路
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